Galerie Hebert Paris 

18 rue du pont Louis Philippe  - 75004  Paris

Exposition collective  
18 mars 2017 - 19 avril 2017

Cet hiver, la Galerie Hebert ne vous en fera pas voir de toutes les couleurs mais vous enchantera avec du bleu.Une trentaine d’œuvres – peintures,encres, dessins, tempera, céramiques et laques – d’artistes permanents de la galerie – Miguel Almiron, Conrad, Zhou Gang, A. Guermaz, H. Desaché, M.C. Giraud, C. Marchat, C. Malval, I. de Menis, M. Palli, C. Gullon, S. King vont vous faire aimer cette couleur, déclinées en registres différents – l’infini, la paix, le calme mais aussi la légéreté de l’air, l’éclat du ciel et de la mer, la joie d’une nuit étoilée… Tous ces bleus, présents sous forme de touches, d’aplats semés ici et là ou choisis comme couleur dominante, vont vous abstraire du prosaïsme du quotidien.

Exposition collective  
18 mars 2017 - 19 avril 2017

Miguel Almiron, docteur en esthétique a écrit à propos de la peinture de Conrad … " Dans cet univers, la puissance se transforme en sensation, en espace, en force créatrice. Conrad fait apparaître un monde latent dans l’interstice présent entre l’indicible et l’étrangeté. Son corps fait lien et vision avec ce monde en gestation. Sans attendre, son pinceau-couteau caresse la toile, étale la couleur, la fait vivre, l’imprègne et la sublime. Puis, en une fraction de seconde, il construit, déconstruit et reconstruit pour donner à voir ce qui doit être, ce qui doit exister ".

Conrad est un peintre contemporain apparenté au mouvement de l'abstraction lyrique. Ses œuvres s’inspirent encore et toujours de la terre, la mer, l'infiniment petit, les vues du ciel, retranscrits par la matière, la couleur et toujours la lumière.  

Pour Conrad, le plus important dans une toile, outre son style ou son harmonie, c’est ce qu’elle cache. Ce qui est caché ressemble à la vérité, qu’elle soit dans les profondeurs du cœur, dans les secrets de la vie ou dans la lumière voilée d’une transcendance toute humaine.

CONRAD est né en 1926, à Hanoï. Il peint depuis 1954, après avoir rencontré entre autres Soulages, Manessier, Le Moal, Singier, Ubac et l’Américain Koenig. Pendant très longtemps, Conrad a refusé de montrer son travail au public. Ce n’est qu’en 1999, qu’il accepte une première exposition. Sa peinture abstraite, lumineuse rencontre tout de suite le succès public. Depuis, il est collectionné à Paris, New York, San Francisco, Los Angeles, et dans toute l’Europe.

Exposition collective  
18 mars 2017 - 19 avril 2017
Apparent
Hervé Desaché  
1 mai 2017 - 30 mai 2017
Paysages Encre de chine
Zhou Gang  
1 juin 2017 - 2 juillet 2017

Propos recueillis par Mael Bellec en avril 2014 lors d’un premier entretien oral, remis en forme, complétés par des précisions écrites de l’artiste et validés par lui après dernière relecture.

Musée Cernuschi : Qu’est-ce qui a décidé de votre vocation d’artiste ?
Zhou Gang : Mon père était un peintre connu dans les années
1930. Il avait fait des études au Japon et pratiquait un style
influencé par la peinture japonaise et le gongbi hua 工笔画 [NDLR : style de peinture méticuleux, connu pour sa retranscription des détails au moyen d’un trait de contour précis et toujours égal]. C’est lui qui m’a amené à l’art ; il m’a entraîné à la calligraphie dès l’âge de cinq ans. Or, calligraphie et 
peinture sont liées. Elles se pratiquent avec les mêmes matériaux.
Pendant la Révolution culturelle, mon père fut envoyé à la campagne en rééducation. C’est un
membre par alliance de la famille, Fang Zengxian 方增先, qui a poursuivi mon éducation artistique. Il était alors professeur à l’Ecole des Beaux-Arts du Zhejiang et membre de la nouvelle école de Zhe 新 浙派. Il était déjà bien connu à cette époque pour ses peintures de personnages à l’encre de Chine.
Quand il n’enseignait pas, il rentrait à Shanghai. C’est à ce moment là qu’il me faisait cours. J’avais
alors environ 12 ans ou 13 ans.

MC : A vingt ans, vous rentrez à l’école des Beaux-Arts de Shanghai.
ZG : Après la révolution culturelle, il n’y avait pas d’école des Beaux-Arts à Shanghai. Il y avait une
Ecole normale supérieure (daxue 大学) qui équivalait à l’Ecole des Beaux-Arts. J’ai profité de son
ouverture. C’était la première année que le concours d’entrée était organisé. Il y avait dans l’école
des gens qui avaient dix ans de plus que moi. Cette ouverture permettait d’absorber les intellectuels
dont la formation avait été retardée par la Révolution culturelle.

MC : comment était organisé l’enseignement ?
ZG : Le cursus durait quatre ans. J’ai choisi la spécialité peinture chinoise, parce que c’est ce que je
pratiquais déjà, même si je faisais aussi beaucoup de dessin à l’occidentale. La première année, on
touchait à peu près à toutes les matières. On pratiquait le dessin à l’occidentale, la peinture à l’huile
et la peinture à l’encre. C’est en deuxième année qu’on choisissait sa spécialisation. A partir de ce
moment-là, je me suis consacré uniquement à la peinture à l’encre. Il y avait trois thèmes différents
dans le cursus : la peinture de paysage, la peinture de fleurs et d’oiseaux et la peinture de
personnages. Chaque année, on travaillait les trois thèmes, mais on apprenait à chaque fois des
styles différents par la copie, avant de pratiquer sur le motif. On alternait le travail en atelier et en
extérieur. Le diplôme portait sur une évaluation technique des étudiants. Bien que le plus jeune
élève de ma classe, j’ai obtenu les meilleures notes pour la création d’oeuvres nouvelles (chuang zuo
创作).

MC : cet enseignement vous convenait ?
ZG : Oui. Bien sûr, je cherchais aussi ailleurs. L’éducation était plutôt strictement traditionnelle, mais
je ne me cantonnais pas à cela. J’étudiais des choses nouvelles dans la bibliothèque de l’école. Petit à
petit, des ouvrages sur les artistes étrangers remplissaient les rayons. Avant, il n’y avait pas cela. On
avait également la chance de pouvoir aller au musée faire des copies.
Dans l’école, il y avait des professeurs, mais je continuais aussi à garder le contact avec Fang Zengxian.
Il ne me demandait pas de faire des oeuvres qui ressemblaient aux siennes. Il pensait que, si un
peintre faisait la même chose que lui, il ne ferait rien de bon, qu’il fallait garder l’esprit ouvert.
Chacun doit avoir son propre monde. D’ailleurs, je suis allé au Japon après. On n’additionne pas les
strates d’un apprentissage pour construire une pyramide unique. On construit plusieurs pyramides
différentes.

MC : Vous commencez votre carrière à Shanghai juste après votre diplôme.
ZG : A l’époque, quand on sortait de l’école, on avait forcément un travail pourvu par l’Etat. Les
artistes avaient tous une activité en plus de leur travail artistique. J’ai été envoyé comme critique
d’art et responsable de l’actualité artistique dans un journal de Shanghai.

MC : Vous aviez aussi une activité en tant qu’artiste :
ZG : J’étais alors secrétaire général de l’association des jeunes artistes de Shanghai. J’organisais des
expositions en tant que commissaire. En 1986, j’ai organisé la première exposition des jeunes
artistes de Shanghai. C’était une exposition importante qui a fait grand bruit. Tous les médias et les
revues en ont parlé. L’exposition réunissait toutes les tendances artistiques différentes. Nous étions
jeunes et nous cherchions à créer une peinture assez provocante. Je devais réunir les productions
nouvelles pour montrer ce que nous étions capables de créer. Il y avait alors des rivalités avec la
génération ancienne qui disposait de ses propres moyens. En Chine, une association est semigouvernementale.
Nous étions soutenus par la Ligue de la jeunesse communiste (gongqingtuan 共青 团). La ligue était évidemment plus ouverte que les générations anciennes.

MC : Et vous aussi aviez une production artistique, dédiée à des sujets tibétains.
ZG : Je suis allé au Tibet en 1981/1982. J’y ai passé six mois. J’y suis resté tellement longtemps que
j’ai failli être renvoyé de l’école sans mon diplôme, mais j’ai été soutenu par mon professeur auprès
du responsable des étudiants de ma section. Aujourd’hui, il y a beaucoup de changements au Tibet. A
cette époque, c’était encore l’endroit le plus sauvage. J’en ai retiré la force de la nature. J’y ai fait
beaucoup de dessins d’après nature. Je travaillais presque jusqu’à ce qu’il n’y ait plus de lumière et
me suis abîmé l’oeil. J’aime le Tibet parce que les gens y sont profonds. J’ai été très touché par
l’humanité des tibétains, leur pureté, leur simplicité, leur naïveté. Par la nature aussi. L’homme et
l’animal y sont en harmonie. Les Tibétains vivent dans une simplicité essentielle. Ils sont beaucoup
plus proches de la nature. Cette sincérité me touche beaucoup.

MC : comment situeriez-vous votre travail au sein de la scène artistique shanghaienne de l’époque ?
ZG : J’étais alors très critiqué, mais je m’en moquais et continuais à travailler. On me disait que ce
que je dessinais n’était pas beau. Mon travail ne reprenait pas les couleurs vives et brillantes de l’art
maoïste, ce qu’on appelait le hong guang liang 红光亮 [NDLR : « rouge, lisse et brillant »]. Ma
peinture était sombre, mate. C’était une révolte. Aujourd’hui, cela n’est plus perçu, mais c’était clair
à l’époque. A partir du moment où il y a des personnages, ils sont perçus positivement ou
négativement. Le positif, c’était le hong guang liang. Mais pour moi, le noir n’était pas négatif. C’était une proximité avec la nature, avec la lumière naturelle, un symbole de santé et de force.

MC : Pourquoi aller au Japon en 1987 ?
ZG : Avec l’ouverture de la Chine, il y avait alors une vague de gens qui sortaient du pays. Cette
ouverture permettait de voir plus, d’avoir de nouvelles expériences. Mon père dans sa jeunesse avait
étudié au Japon. Le Japon est un pays asiatique, mais qui a absorbé beaucoup de choses de l’occident.
Je voulais apprendre autre chose et essayer de m’en servir dans mon travail.

MC : Quelles études avez-vous faites au Japon
ZG : J’ai été admis à l’institut de recherches de l’Université de Tōkyō et ai écrit pendant deux ans un
mémoire sur les relations entre l’ukiyo-e [NDLR : les estampes japonaises] et la peinture moderne
occidentale. J’ai visité également pas mal de musées et présenté des expositions dans plusieurs villes
du Japon, toujours autour des thèmes tibétains. Je mélangeais à mes oeuvres un peu des
caractéristiques de la peinture japonaise. Les détails étaient plus précis, plus soignés, alors qu’en
Chine les traits étaient plus vigoureux.
C’était trouvé original, mais inclassable : ce n’était ni traditionnel, ni non traditionnel. J’ai toutefois
pu vendre et installer une grande peinture dans un journal japonais.

MC : En 1989, vous partez pour la France où vous effectuez un DEA d’arts plastiques. Pourquoi cette étape supplémentaire dans votre formation ?
ZG : J’ai eu l’impression que la France était ma dernière destination. J’adore la France. Il s’y
développe beaucoup de mouvements artistiques et littéraires. Je suis très attaché à la culture
chinoise, à mes racines ; je suis bien dans ma culture. Mais la France m’a apporté quelque chose de
complètement nouveau pour renouveler la tradition. Il fallait faire renaître la tradition de l’encre.
Pour cela, il y avait une voie : le mélange avec la culture occidentale. En Chine, c’était un domaine qui était travaillé et retravaillé, mais qui se répétait. Au moyen des formes occidentales, je pouvais
créer une nouvelle forme de peinture à l’encre.

MC : quelles sont les caractéristiques de ce travail ?
ZG : Je suis sorti de la tradition et de ses détails.
Aujourd’hui, je rends l’atmosphère dans sa dimension cosmique. Je reproduis la nature par mes coups de pinceaux, capture son souffle. Je peins la nature dans son fonds, pas dans sa superficialité. Je travaille avec les éléments de la nature et l’esprit du Yin-Yang. L’ensemble est lié avec le qiyun 气韵 [NDLR : la « résonnance du souffle » est l’un des plus anciens principes théoriques de la peinture chinoise et a connu des acceptations diverses au cours du temps. Le plus souvent, par homologie cosmologique, elle est entendue comme l’animation de l’oeuvre par la circulation d’un souffle, d’une énergie]. Dans la peinture traditionnelle, il y a beaucoup de détails et ils sont liés au moyen de la composition. Moi, je travaille sans détail. Si le qiyun est présent, les arbres, les rochers et les nuages peuvent être transformés en une atmosphère. Les éléments, les souffles sont plus importants que le rocher, que les détails qui composent la nature. Pour représenter cela, j’emprunte à la tradition ancienne et y marie du nouveau.

MC : C’est un style que vous avez élaboré au début des années 1990. Comment votre style a-t-il
évolué ?
ZG : Au début, je peignais un peu des personnages, mais je me suis focalisé à partir de cette époque
sur le thème de la nature. La nature est pour moi la seule source inépuisable de création. On vient de
la nature, on retourne à la nature. Ce que je peins, c’est l’atmosphère et le souffle. Au début, il y
avait encore beaucoup de traces de pinceau, de gestes. Aujourd’hui, je suis plus dans l’atmosphère,
dans l’usage de lavis, les effets de l’encre, même si je reviens un peu au geste de temps en temps.
J’ajoute aussi parfois plus de technique picturale. Par exemple, je jette de l’encre sur le papier, ce qui
ne se fait pas dans la tradition. Techniquement, je suis beaucoup plus riche qu’auparavant. Mon
objectif, c’est de faire vivre et renaître la peinture à l’encre. Il reste encore beaucoup à explorer. Ce
n’est pas fini.

MC : comment vous situez-vous sur la scène artistique chinoise ?
ZG : Je peins poussé par l’intuition et non par la théorie. Je ne suis intéressé que par la nature, je ne
me soucie pas vraiment de savoir dans quelle catégorie sera classé mon art. Ma peinture reste
contemporaine, tout en respectant les principes traditionnels de la peinture chinoise. Mais elle est
différente des productions des autres. Mon rôle, c’est de recréer une peinture à l’encre qui ait sa
racine dans la tradition, mais plus ouverte, plus moderne. Je réinterprète la nature en y introduisant
des nouveautés. C’est peut-être une nouvelle voie vers la renaissance de l’encre.
Mais mon travail, c’est de faire, pas de parler. Pour moi, la création est un mystère. De temps en
temps, c’est difficile d’en parler. C’est en faisant que les idées me viennent. Dans la peinture, il y a
beaucoup d’incidents, de hasards. C’est très difficile à résumer par un artiste.

Exposition collective  
15 juillet 2017 - 1 octobre 2017
Parcours Bijoux
Vered Babaï  
7 octobre 2017 - 5 novembre 2017

Vered Babai est une artiste discrète. Pour elle, l'art est ce lien subtil qui se crée entre la matière et le domaine abstrait des émotions, des pensées, des sensations. Bijoutière délicate, elle sait exprimer la fragilité et la poésie de la vie dans des œuvres concrètes qui s'inspirent du monde végétal. Arbres, branches et volutes, feuilles et graines sont autant d'éléments qui racontent le rythme des saisons et trouvent leurs places dans ses collections.

 

Son matériau de prédilection est le métal en général, tout particulièrement l'argent. Récemment, ses recherches l'ont entraînée vers des matériaux moins précieux comme les plumes, le bois et jusqu'aux brindilles qu'elle sculpte en torsades imposantes qui s'enroulent autour d'un poignet ou d'un cou. Vered a été initiée aux arcanes du métal par des maîtres bijoutiers. Aujourd'hui, c'est elle qui enseigne le design et les techniques du bijou dans son propre atelier ainsi que dans des écoles de renom. Ce qu'elle préfère est l'improvisation à partir des méthodes traditionnelles qu’elle a étudiées, toujours à la recherche de solutions uniques et irréfutables, dans l'esprit de logique développé par les éléments même de la nature.

 

Parce que sa perception de la lumière sur ses œuvres était différente de celle proposée par les professionnels de l'image, Vered Babai a adopté la photographie comme moyen d'expression puis comme style de vie. Des gros plans serrés de ses premières natures mortes, elle est passée à une vision beaucoup plus large et urbaine de son environnement. Il n’est pas rare de la voir, en pleine nuit, arpenter les axes de la ville pour mieux capturer ses instantanés d’architectures vides et d’éclairages sans filtre.

 

La photographie est pour elle un outil pour aiguiser les sens et les éveiller au monde extérieur, celui qui nous entoure. En contrepoint, l’art de la bijouterie lui permet de révéler et de donner forme aux émotions enfouies à l’intérieur, dans l’univers qui nous habite. Chacun de ses bijoux est unique et Vered nous le livre sans faire de bruit, comme on dévoile un secret.

Exposition collective  
9 décembre 2017 - 4 février 2018
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